Galerie La BoxProgrammationlive among and turn together
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vendredi 28 mai 2021
samedi 26 juin 2021
galerie La Box

Ouverture le 27 mai 2021 à 18h

İz Öztat, Constituting an Island, 2014, Vidéo HD, couleur, silencieux, 1’46’’

live among and turn together

Une proposition d'Asli Seven

Avec Abbas Akhavan, Milena Bonilla, Eduardo Cruces, David Maroto,
Nathalie Muchamad, İz Öztat, Nihan Somay et Valentina Traïanova

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Petit-déjeuner de La Box
> samedi 29 mai / 10h30
En présence d'Asli Seven - commissaire de l'exposition

Not All Of Me Will Die
performance participative de David Maroto
> 17 juin 2021 / 14h-19h
David Maroto propose l’oralité comme mode de dissémination
de son roman éponyme apportant une réfléxion sur la mémoire, 
l'écriture et le désir de postérité.

Performance sonore et projections
> 18 juin 2021 (horaires à définir)
Performance d'une pièce sonore par Valentina Traïanova
issue d’une conversation à distance avec Eduardo Cruces.
Résultats d'un atelier de traduction collective par Nihan Somay.
Projection d'une série d'œuvres vidéo.

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Les expressions “Vivre Parmi” et “Tourner Ensemble” proviennent des racines étymologiques et de l’histoire des usages du mot conversation. Puisant dans les aspects corporels, affectifs et collectifs de l’histoire du mot, l’exposition ramène le corps, la polyphonie et la communauté dans la conversation.
Depuis son origine en latin "tourner ensemble" jusqu’au XVIe siècle, la conversation a conservé en français la signification unique de "vivre ensemble", et en anglais, de "manière de se conduire dans le monde", mobilisant l’idée d’interactions entre un organisme et son environnement. À la manière de l’improvisation collective, c’est un jeu de miroirs qui repose sur l’écoute active et multiple de chacun.e envers les autres et qui caractérise la conversation comme medium : écouter l’écoute de l’autre, l’écoute de soi et écouter les intervalles de silence qui composent l’ensemble de la situation. On vit parmi les phonèmes, les rythmes, les sons et les gestes. On tourne ensemble vers la création collective et le réel symbiotique, on se délecte de l’inachèvement. Qu’il s’agisse "d’un vivre ensemble" avec d’autres intelligences vivantes ou non-vivantes, des formes de communication avec les spectres et les fantômes, du concept du "phénotype étendu" ou encore de la transmission intergénérationnelle des gestes et des formes, la conversation est multiple, polyphonique, et elle fait communauté. À travers différents battements marquant la présence et l’absence de sons et d’images composant les œuvres, l’exposition elle-même respire et bouge selon les rythmes circadiens. De la conversation entre les œuvres émerge la possibilité d’un organisme composé de mémoire et de souffle, prolongeant la conversation au-delà d’une communauté de langues, d’esprits et de corps humains, vers des spéculations sur les origines climatiques, minérales et botaniques du langage.

Issue d’une recherche curatoriale de plusieurs années et reposant sur des dialogues de longue durée, l’exposition comporte une réflexion sur la conversation comme méthode et comme contexte d’émergence et de réception de toute forme artistique et elle se pense comme une conversation en cours.

Certaines œuvres composant live among and turn together seront activées et altérées à travers une programmation de performances et ateliers.
Ainsi, le 17 juin, la performance participative Not All Of Me Will Die de
David Maroto aura lieu, expérimentant avec l’oralité comme seul mode de dissémination du roman de l’artiste portant le même titre.
Une pièce sonore, issue d’une conversation à distance entre Valentina Traïanova et Eduardo Cruces sera conçue spécialement pour cette exposition et l’intégrera à partir du 19 juin, ainsi que les résultats d’un atelier de traduction collective conduit par l’artiste Nihan Somay.

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Abbas Akhavan vit et travaille à Montréal, Canada. Sa pratique varie entre installations éphémères spécifiques au site et le dessin, la vidéo, la sculpture et la performance. Ses recherches sont profondément influencées par les sites où il travaille : les architectures qui les abritent, les économies qui les entourent et les personnes qui les fréquentent. Ses travaux récents se concentrent sur des espaces et des espèces à l'extérieur et à proximité de la maison - le jardin, la cour arrière et autres paysages domestiqués.
Akhavan est lauréat du Kunstpreis Berlin (2012), du Abraaj Group Art Prize (2014), du Sobey Art Award (2015) et du Fellbach Triennial Award (2016).
Les expositions récentes incluent Museum Villa Stuck, Munich, Allemagne (2017) ; Salt, Istanbul, Turquie (2017) ; David Roberts Art Foundation, Londres, Royaume-Uni (2017) ; Biennale de Sharjah 13, EAU (2017) ; Musée Solomon R. Guggenheim, New York, États-Unis (2016) ; et Delfina Foundation, Londres, Royaume-Uni (2012).

Milena Bonilla a une pratique de recherche artistique actuellement investie dans le colonialisme épistémologique et les différentes manières dont il affecte les organismes, le langage et les structures sociales. En identifiant les modèles, les lacunes et les silences dans des récits historiques spécifiques, l'artiste dessine des tensions entre des modèles politiques prédéterminés et des utilisations de la cognition. Ces exercices conceptuels et perceptifs se tissent à travers les multiples manifestations matérielles de son travail. Son travail a été présenté dans plusieurs institutions et événements internationaux, tels que Manifesta Biennial 13 - Les Parallèles du Sud, Marseille 2020 ; Montpellier Contemporain, Montpellier - 2020 tels que  Framer / Framed, Amsterdam - 2019 ; Garage, Rotterdam - 2018 ; Le Rijksmuseum, Amsterdam - 2018 ; M HKA, Anvers - 2018 ; Ar / Ge Kunst, Bolzano - 2017 ; Kadist, San Francisco - 2018 ; Le Musée juif, New York - 2017 ; MAMM, Medellín, Colombie - 2015-2017 ; Atelier de printemps, Hong Kong - 2015 ; CA2M, Madrid - 2015 ; The Mistake Room, Los Angeles - 2015 ; MNBA, Buenos Aires - 2013 ; Institut des arts visuels internationaux, Iniva, Londres - 2010 ; Witte de With, Rotterdam - 2010 ; Konstall C, Stockholm - 2009 ; Biennale de Marrakech - 2014 ; 10e Biennale de La Havane, Cuba - 2009 ; 12e Biennale d'Istanbul - 2011 ; 9e Biennale de Shanghai - 2012 et 3e Biennale de Bucarest - 2008.

Eduardo Cruces vit et travaille Concepción, Chili. Il a un diplôme de Master de l’Edhea, Suisse, en Art dans les Sphères Publiques (2014) et une licence en arts plastiques mention Gravure, Université de Concepción, Chili (2010).
Ses recherches font la relation entre la terre et la communauté, avec une attention particulière portée à la manière dont les cycles économiques interrompent et modifient leur propre chemin vers le démantèlement. Il a conduit une recherche de terrain dans différentes zones désindustrialisées et reconverties, aussi bien en Amérique latine qu’en Europe ou en Océanie, dans le but de les relier entre elles. Des concepts tels que la copie et l’édition occupent une place particulière dans son processus artistique : à travers la reconversion du travail d’autres auteurs, ils génèrent une polyphonie d’interprétations et la possibilité de constamment actualiser ses questionnements en accord avec les contextes économiques et politiques dans lesquels ses œuvres s’inscrivent.

David Maroto est un artiste visuel espagnol basé aux Pays-Bas. Il a obtenu son doctorat de la Edinburgh College of Art, avec un projet de recherche intitulé The Artist’s Novel: The Novel as a Medium in the Visual Arts (Le Roman d’artiste: le roman comme un médium dans les arts visuels), récemment publié en deux volumes (Mousse Publishing).
En 2011 il a rencontré la curatrice Joanna Zielińska lors d’une résidence à l’ISCP New York, ils ont commencé la collaboration The Book Lovers, un projet de recherche sur le roman d’artiste. Cette collaboration a été accueillie par plusieurs institutions dont M HKA (Anvers) ; De Appel (Amsterdam) ; Whitechapel Gallery (Londres) ; Museum of Modern Art (Varsovie) ; CCA Glasgow ; Fabra i Coats (Barcelona) ; Index (Stockholm) ; et Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art (Varsovie). David a une pratique artistique internationale : 11e Biennale de La Havane ; Biennale Warszawa ; Artium, musée d'art contemporain (Vitoria); Extra City (Anvers); S.M.A.K. (Gand); EFA Project Space (New York); A Tale of a Tub (Rotterdam); et W139 (Amsterdam), entre autres. Il a publié de nombreux articles et édité diverses publications, dont Artist Novels (Sternberg Press, 2015); Tamam Shud (Sternberg Press, 2018) ; et Obieg Magazine no. « Art & Literature: A Mongrel’s Guide » ; (2018).

Nathalie Muchamad est née 1976 en Nouvelle-Calédonie - Océan Pacifique et vit actuellement à Lyon et Mayotte.
Son travail s'articule autour de vidéos, dessins, textes, installations. Elle prend en compte une géographie et son histoire en explorant la notion de multiplicité dans un monde connecté et multipolaire. Ses origines à la fois javanaises et calédoniennes questionnent l'idée d'une identité qui se déconstruit à travers la quête de l'histoire. Ses travaux récents interrogent l’héritage de la conférence de Bandung en Indonésie de 1955, dans le contexte actuel des constructions d’identités au sein d'une mutation des savoirs. Elle a participé à la section Rendez-Vous de la Biennale de Lyon 2017. En 2018, elle expose au Centre Wilfredo Lam de la Havane sous le commissariat de Isabelle Bertolotti, Ibis Hernández, Dannys Montes de Oca Moreda, et de Jorge Antonio Fernandez Torres. En 2019, elle participe au colloque de la Casa de las Americas à Cuba 60 ans de Révolution, Rebelles et Révolution. En janvier 2020, elle est invitée pour La Nuit des Idées par le centre d’art Le Magasin avec Minia Biabiany, Jean-François Boclé et Malcom Ferdinand autour d’une réflexion sur une écologie décoloniale. En collaboration avec l'Ecole des Mutants (Hamédine Kane/ Stéphane Verlet-Bottéro) elle produit You and me don't live in the same planet pour la Biennale de Taipei - 2020 et Lieu Unique, UFA – Université des Futurs Africains, Nantes - 2021.

İz Öztat est née en 1981, à Istanbul, où elle vit et travaille. La pratique d’Öztat s’engage avec diverses formes et médias définis par ses recherches sur le retour du passé refoulé, traçant l’absence, la convergence de l’eau et de la liberté, les implications idéologiques de la présentation et la négociation des récits officiels à travers les possibilités de la fiction. Les processus collectifs sont au cœur de la pratique d'Öztat. Elle s'est engagée dans une collaboration intempestive avec Zişan (1894 - 1970) qui lui apparaît comme une figure historique, un fantôme et un alter ego. Elle est membre de BAÇOY-KOOP (coopérative d'impression, de reproduction et de distribution), un groupe qui utilise la technologie du miméographe pour l'édition collective et indépendante. Parmi ses expositions : Suspended, Pi Artworks Istanbul, Turquie (2019) ; Tamawuj, Sharjah Biennial 13, Émirats arabes unis (2017) ; Terre sans terre, Heidelberger Kunstverein, Allemagne (2016) ; Saltwater: A Theory of Thought Forms, 14e Biennale d'Istanbul (2015) ; Conduit en profondeur et projeté en longueur, Heidelberger Kunstverein, Allemagne (2014) ; Rendez-vous 13, Institut d’art contemporain, Lyon, France (2013); Here Together Now, Matadero Madrid, Espagne (2013).

Nihan Somay est née en 1988 à Istanbul. Elle travaille principalement en contexte et explore les possibilités de collaboration pour comprendre comment orienter le corps et la langue contre les effets du capitalisme : temporalité, division, effacement, hégémonie linguistique, formes de propagande, visibles et intériorisées, avec un besoin de s'appuyer sur l'humour et l'aventure comme outils conceptuels. Editions d'artistes, formes de texte, actes de discours, la langue, la traduction et les aspects performatifs qu'ils intègrent apparaissent comme des formes d’intérêt pour ses recherches.
Elle est titulaire d’une licence en arts visuels de l'Université Sabanci (Istanbul) et d'un Master en Arts dans les sphères publiques de l’École de design et de haute école d’art du Valais (édhéa) en Suisse. Elle est membre du collectif d'artistes KABA HAT depuis 2011 et fait partie de BAÇOY KOOP (Coopérative d’impression, de reproduction et de distribution).

Valentina Traïanova est artiste, interprète et chanteuse. Née à Sofia (Bulgarie), elle vit à Paris. Elle est arrivée en France en 1996, à Nice, où elle est apparue comme championne de planche à voile avant de poursuivre ses études.
Elle est diplômée de l'E.P.I.A.R. Villa Arson à Nice et Académie des Beaux-Arts Jules Pasquin à Sofia. Elle a cofondé avec Antoine Dufeu le duo Lubovda et la structure de production Nahda en 2011. Elle fait partie du projet Command-X de l’artiste new-yorkais Nicholas Knight. Dans une pratique jubilatoire où se croisent performance, dessin, chant, écriture, danse, pièces sonores, sa voix est matière à sculpter. Menant une réflexion sur le déplacement d’un champ de l’art à l’autre, elle a inventé la figure de la cantatrice-patineuse. Arrivederci, l’une des ses performances a notamment été présentée à La Monnaie de Paris et à la Sofia City Art Gallery dans le cadre de sa dernière exposition personnelle intitulée UOOOOooooOO (2018).

Asli Seven est commissaire d'exposition et écrivaine vivant et travaillant entre Paris et Istanbul. Ses recherches portent sur les formes de violence épistémique et infrastructurelles telle qu’elles s’incarnent à travers l’environnement construit. Elle s'intéresse aux pratiques de terrain, de fiction critique et processus de co-création. Elle expérimente depuis 2019 avec la fiction spéculative et plus généralement la fiction critique pour imaginer le commissariat comme une pratique « textile », génératrice de récits et de liens inédits, notamment à travers un roman court intitulé Tropical Cargo dont la publication est prévue pour le printemps 2022.
En 2020-21 elle est lauréate du programme de résidence CNAP et Cité des Arts pour les commissaires d’exposition. Elle est membre de l’AICA, de C-E-A (Association Française des commissaires d’exposition) et collaboratrice auprès de ICI (Independent Curators International).

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English version

Exhibition curated by Asli Seven

With Abbas Akhavan, Milena Bonilla, Eduardo Cruces, David Maroto,
Nathalie Muchamad, İz Öztat, Nihan Somay and Valentina Traïanova

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Box's breakfast
> 29 may 2021 / 10h30
With Asli Seven, exhibition's curator

Not All Of Me Will Die
participatory performance by David Maroto
> 17 June 2021 / 14h - 19h
David Maroto proposes orality as the mode of distribution of his novella of the same title, reflecting on memory, writing and the desire for posterity

Sound performance and projections
> 18 June 2021 (schedule to be confirmed)
Performance of a sound piece by Valentina Traïanova in long-distance collaboration with Eduardo CrucesResults of a collective translation workshop by Nihan Somay
Projection of a series of video works

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The expressions “live among” and “turn together” stem from the etymological roots and history of the uses of the word conversation. Drawing upon the bodily, affective and collective aspects of the word’s history, the exhibition brings back the body, the polyphony and the collective movement into its meaning.
From its latin root « to turn together », up until 16th century, in French the word conversation has preserved its unique signification as « living together », and in English as « manner of conducting oneself in the world », both activating the idea of interactions between an organism and is environment. In the manner of collective improvisation, it is a mirror game of each participant’s active listening to the situation that is the main characteristic of the collective as medium. The act of listening is multiple: listening to the situation, listening to oneself listen, listening to the others listen and to the intervals of silence which compose the situation. We live among phonems, rhythms, sounds and gestures. We turn together towards collective creation et the symbiotic real, we revel in incompleteness. Whether it is with other living or non-living intelligences, forms of communication with spectres and ghosts, our extended phenotype or the intergenerational transmission of gestures and forms, conversation makes community. Through various beats marking the presence and absence of sounds and images composing the works, the exhibition itself breathes and moves according to circadian rhythms. Out of the conversation between the works emerges the possibility of a living organism, composed of memory and breath, extending the conversation beyond a community of human minds and bodies to arrive at hypotheses around climatic, mineral and botanical origins of language.

The result of a long term curatorial research and based on long-lasting dialogues, the exhibition carries a reflection on conversation as method and as context for the emergence and reception of any artistic form, and thinks of itself as an ongoing conversation.
Some of the works composing Live Among and Turn Together will be activated and altered through performances and workshops scheduled between June 17-19. « Not All Of Me Will Die », a participatory performance led by David Maroto as the only form of dissemination of the eponymously titled oral novella by the artist will take place on June 17. A sound piece born of a remote conversation between Valentina Traïanova and Eduardo Cruces will integrate the exhibition from June 19 on, alongside the results of a collaborative translation workshop led by the artist Nihan Somay.

Abbas Akhavan lives and works in Montreal, Canada. His practice ranges from ephemeral site- specific installations to drawing, video, sculpture and performance. His research is deeply influenced by the sites where he works: the architectures that house them, the economies that surround them and the people who frequent them. His recent work focuses on spaces and species just outside the home - the garden, backyard, and other domesticated landscapes.
Akhavan is the winner of the Kunstpreis Berlin (2012), the Abraaj Group Art Prize (2014), the Sobey Art Award (2015) and the Fellbach Triennial Award (2016). Recent exhibitions gathered Museum Villa Stuck, Munich, Germany (2017) ; Salt, Istanbul, Turkey (2017); David Roberts Art Foundation, London, UK (2017); Sharjah Biennale 13, UAE (2017); Solomon R. Guggenheim Museum, New York, United States (2016); and Delfina Foundation, London, UK (2012). 

Milena Bonilla’s research-based practice is currently invested in epistemological colonialism and the different ways it affects organisms, language and social structures. By identifying patterns, gaps and silences within specific historical narratives, the artist draws tensions between predetermined political templates and uses of cognition. These conceptual and perceptual exercises appear weaved across the manifold material
manifestations of her work. Her work has been presented in several international institutions and events, such as Manifesta Biennial 13 - Les Parallèles du Sud, Marseille 2020; Montpellier Contemporain, Montpellier (2020);  Framer/Framed, Amsterdam (2019); Garage, Rotterdam (2018); The Rijksmuseum, Amsterdam (2018); M HKA, Antwerpen (2018); Ar/Ge Kunst, Bolzano (2017); Kadist, San Francisco (2018); The Jewish Museum, New York (2017); MAMM, Medellín, Colombia (2015-2017); Spring Workshop, Hong Kong (2015); CA2M, Madrid (2015); The Mistake Room, Los Angeles (2015); MNBA, Buenos Aires (2013); Institute of International Visual Arts, Iniva, London (2010); Witte de With, Rotterdam (2010); Konstall C, Stockholm (2009); Marrakech Biennale (2014) ; 10th Havana Biennale, Cuba (2009); 12th Istanbul Biennale (2011); 9th Shanghai Biennale (2012) and 3rd Bucharest Biennale (2008). Milena Bonilla is a research fellow and guest -alumni- resident (together with Ana María Gómez López) at the International Institute of Social History (IISH) and the Rijksakademie in Amsterdam, she is also currently finishing a residency period at ZK/U Berlin.

Eduardo Cruces lives and works Concepción, Chile. He holds a Master's degree from Edhea, Switzerland, in Art in the Public Spheres (2014) and a bachelor's degree in visual arts with a specialization in Engraving, University of Concepción, Chile (2010). His research makes the relationship between land and community, with particular attention to how economic cycles interrupt and alter their own path to dismantling. He conducted field research in various deindustrialised and reconverted areas, in Latin America as well as in Europe and Oceania, with the aim of linking them together. Concepts such as copying and publishing occupy a special place in his artistic process: through the reconversion of the work of other authors they generate a polyphony of interpretations and the possibility of constantly updating his questions in accordance with the economic and political contexts in which his works are inscribed.

David Maroto is a Spanish visual artist based in the Netherlands and a PhD from the Edinburgh College of Art, with a research project called The Artist’s Novel: The Novel as a Medium in the Visual Arts, which has been recently published in a two-volume book (Mousse Publishing). In 2011, he spent time at a residency in ISCP New York, where he met curator Joanna Zielińska and began a collaboration called The Book Lovers, a research project on the artist's novel. This collaboration has enabled them to engage with a host of international institutions, including M HKA (Antwerp); De Appel (Amsterdam); Whitechapel Gallery (London); Museum of Modern Art (Warsaw); CCA Glasgow; Fabra i Coats (Barcelona); Index (Stockholm); and the Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art (Warsaw). David has an extensive international artistic practice: 11th Havana Biennial; Biennale Warszawa; Artium, Museum of Contemporary Art (Vitoria); Extra City (Antwerp); S.M.A.K. (Ghent); EFA Project Space (New York); A Tale of a Tub (Rotterdam); and W139 (Amsterdam), among others. David has published numerous articles and edited various publications, including Artist Novels (Sternberg Press, 2015); Tamam Shud (Sternberg Press, 2018); and Obieg Magazine no. 8, « Art & Literature: A Mongrel’s Guide » ; (2018).

Nathalie Muchamad was born in 1976 in New Caledonia - Pacific Ocean. Based now in at Lyon and Mayotte. Her work is articulated through video, drawing, text, installation. She takes into account a geography and its history exploring the notion of multiplicity in a connected and multipolar world. Its origins, both Javanese and New Caledonian, question the idea of an identity that is deconstructed through the quest for history . Her recent work questions the legacy of the 1955 Bandung conference in Indonesia, in the current context of post-colonial identity constructions and in a decoloniality of knowledge. She participated in the Rendez-Vous section of the Lyon Biennale 2017. In 2018, she exhibited at the Wilfredo Lam Center in Havana under the curatorship of Isabelle Bertolotti, Ibis Hernández, Dannys Montes d'Oa Moreda and Jorge Antonio Fernandez Torres. In 2019, she participated in the symposium of the Casa de las Americas in Cuba "60 years of Revolution, Rebels and Revolution". In January 2020, she was Invited for the Night Ideas by the art center Le Magasin with Minia Biabiany, Jean-François Boclé and Malcom Ferdinand around a reflection on a decolonial ecology. In collaboration with the School of Mutants ( Hamédine Kane/ Stéphane Verlet-Bottéro), she produced You and me
don't live in the same planet at Biennale de Taipei 2020 and Lieu Unique , UFA – Université des Futurs Africains , Nantes 2021.

İz Öztat (b. 1981, Istanbul), lives and works in Istanbul. Öztat’s practice engages with diverse forms and media defined by her research on the return of the suppressed past, tracing what is absent, convergence of water and freedom, ideological implications of display and negotiating official narratives through the possibilities of fiction. Collective processes are central to Öztat’s practice. She has been engaged in an untimely collaboration with Zişan (1894 – 1970) who appears to her as a historical figure, a ghost and an alter ego. She is a member of BAÇOY-KOOP (Printing, Duplication and Distribution Cooperative), a group that utilizes the mimeograph technology for collective and independent publishing. Selected exhibitions include Suspended, Pi Artworks Istanbul, Turkey (2019); Tamawuj, Sharjah Biennial 13, United Arab Emirates (2017); Land without Land, Heidelberger Kunstverein, Germany (2016); Saltwater: A Theory of Thought Forms, 14th Istanbul Biennial (2015); Conducted in Depth and Projected at Length, Heidelberger Kunstverein, Germany (2014); Rendez-vous 13, Institut d’art Contemporain, Lyon, France (2013); Here Together Now Matadero Madrid, Spain (2013).

Nihan Somay (1988, Istanbul) works primarily in context and explores the possibilities of collaboration in an effort to understand how to orient body and language against the effects of capitalism: temporality, division, erasure, linguistic hegemony, forms of propaganda, visible and internalized, with a need to rely on humor and adventure as conceptual tools. Artist's editions, forms of text, speech acts, language, translation and the performative aspects they integrate appear as forms of interest for his research. She holds a bachelor's degree in visual arts from Sabanci University (Istanbul) and a master's degree in public arts from the School of Design and High School of Art of Valais (Edhéa) in Switzerland. She has been a member of the artist collective KABA HAT since 2011 and is part of BAÇOY KOOP (Printing, Duplication and Distribution Cooperative).

Valentina Traïanova is an artist, performer and singer. Born in Sofia, she lives in Paris. She arrived in France in 1996, in Nice, where she appeared as a windsurfing champion before continuing her studies. She graduated from the E.P.I.A.R. Villa Arson in Nice and Académie des Beaux-Arts Jules Pasquin in Sofia. She co-founded with Antoine Dufeu the duo Lubovda and the production structure Nahda in 2011. She is part of the Command-X project with New York-based artist Nicholas Knight. In a jubilant practice where performance, drawing, song, writing, dance, sound pieces intersect, her voice is a material to sculpt. Reflecting on the shift from one field of art to another, she invented the figure of the singer-skater. Recently, her performance Arrivederci was presented at La Monnaie de Paris and Sofia City Art Gallery (Bulgaria) as part of her latest solo exhibition titled UOOOOooooOO (2018).

Asli Seven is a curator and writer living and working between Paris and Istanbul. Her research focuses on forms of epistemic and infrastructural violence as embodied in the built environment. She is interested in field practices, critical fiction and co-creative processes. Since 2019, she has been experimenting with speculative fiction and more to imagine curating as a “textile” practice, generating new stories and links, in particular through a short novel entitled “Tropical Cargo”, the publication of which is scheduled for spring 2022. In 2020-21, she was selected for the CNAP and Cité des Arts grant and residency program for curators. She is a member of AICA and C-E-A (French association of curators), and a collaborator with ICI (Independent Curators International).

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RadioRadio

Une radio temporaire de création fabriquée par des étudiant(e)s de l’Ensa Bourges
en FM : 105.1 à Bourges
et sur le web

Atelier sonore d’esthétique

Créé en 2005, l’Atelier sonore d’esthétique, est un séminaire de recherche esthétique en création sonore expérimentale — site web

Arts et créations sonores

Post-diplôme en partenariat avec le Conservatoire de musique et de danse de Bourges — d'électroacoustique — site web

dsra
document & art contemporain

3e cycle — avec l'ÉESI Poitiers-Angoulême — site web